ВЫСТАВКИ И ХУДОЖНИКИ
Алла Белякова
Николай Белянов
Тамара Гудзенко
Анна Бирштейн
Аладин Гарунов
Элиде Кабасси
Елена Колат
Аббас Кязимов
Александр Лягин
Анатолий Морев
Евгения Тавьева
Евгений Расторгуев
Наталия Ситникова
ЮБИЛЕЙНАЯ ВЫСТАВКА ЗАСЛУЖЕННОГО ДЕЯТЕЛЯ ИСКУССТВ РФ ХУДОЖНИЦЫ
АЛЛЫ БЕЛЯКОВОЙ в связи с её 90-летием, а также творческий вечер состоятся в Отделе ГМИИ им.А.С.Пушкина – мемориальной квартире С.Т.Рихтера в марте 2004 года.
«Я люблю поэзию, люблю музыку. Когда я пишу акварелью цветы. Стремлюсь, чтобы они были так же прекрасны, как поэзия, как музыка. Вот сколько в них красоты! Вот они какие! Хочу, чтобы все, что я напишу, было изысканно, прекрасно. Это моя мечта».
А.М.Белякова – из альбома «Алла Белякова», М., 2003
«Удивительный сплав традиций искусства А.В.Фонвизина и Р.Р.Фалька превратил Аллу Михайловну Белякову в неповторимого матера живописи акварельными красками…Натюрморты и пейзажи поражают виртуозным владением материала, что доступно лишь большому художнику. И вместе с тем каждый её лист внутренне заряжен духовной энергией. Самые простые мотивы – ваза с цветами, фрукты, лежащие на столе, березы над прудом или проселочная дорога – наполнены у Беляковой романтической преображенностью, достигаемой вибрацией цвета и сложными тональными отношениями».
Киселев М.Ф., Шумяцкий Б.Л. «Искусство А.М.Беляковой». Каталог выставки. «СХ». 1990
Тамара ГУДЗЕНКО
Николай БЕЛЯНОВ
В связи с юбилеем города в Томске при содействии АИС планируется выставка произведений Николая Белянова и Тамары Гудзенко.
Тамара Гудзенко родилась в Самарской области, закончила Пензенское художественное училище. Член Союза художников СССР с 1982 г. С 1974 г. участвует в групповых, республиканских, всесоюзных и международных выставках (1982 – Дания, 1983 – ФРГ, 1987 – Турция, США, 1988 – Польша, 1990 – Финляндия, 1991 – «Современное советское искусство», Италия; «Картины возвращаются в Россию, картины остаются в России», Москва, 1992 – фестиваль-конкурс «Золотая кисть», Москва; галерея Марс, Москва; 1992-93 – Гонолулу; США; 1994 – персональная выставка в галерее «Арт Медиа», Москва. Работы находятся в Томском краеведческом музее, в Красноярском художественном музее, а также в частных собраниях России, Германии, Великобритании, Италии, Греции, Швейцарии, Голландии, США.
Николай Белянов родился в 1947 г. в Самаре, закончил Пензенское художественное училище, а затем МВХПУ (б.Строгановское). Член Союза художников СССР с 1980 г. Участник многочисленных групповых, республиканских, всесоюзных, зарубежных и международных выставок с 1974 года в стране и за рубежом (1982 – Париж, Гамбург; 1983-1984 – Германия; 1982-84 – Болгария, ГДР, Дания, Финляндия; 1984 – Париж; 1985 – Штутгарт, Ганновер, Дюссельдорф; 1988 – Кёльн, Хельсинки; 1993 – Нью-Йорк), персональные выставки в Москве (1992, 1995) и Самаре (1997).
«Работы его большей частью понятны, они говорят языком знакомых предметов. Но язык Белянова в то же время метафоричен и далеко не сводится к простым констатация. Неодноплановость выражения – черта, весьма характерная для поколения, которое именуется «семидесятниками». Не хочу сказать этим, будто художник намертво затянут в какие-то рамки. Время сближает разных людей необходимостью искать ответы на одни и те же вопросы… В этом смысле Николай Белянов, конечно, человек своего времени.
… сегодня художник стремится придать своим визуальным структурам более обобщающий смысл, как бы соединить в них два ритма времени: сиюминутный и исторический. Задача не из простых, он и сам понимает; чреватая и обретениями и поражениями. Что же, наверное, в этом – и право, и неизбежная ответственность зрелости»
Морозов А.И. Статья к альбому «Николай Белянов. Живопись и графика», М., 2000.
«Тамара Гудзенко и Николай Белянов стали появляться на крупных выставках примерно четверть века назад. Сегодня можно сказать: их творческая судьба счастливо состоялась. Это касается, в частности, и таких двух сюжетов, как «семейный» и «географический».
Ведь что ни говори, оба, муж и жена, художники. Проблема! А кто тут первый, кто главный и как быть тому, который не главный? Тамара и Николай родом из Поволжья, свело их вместе Пензенское художественное училище. Словно бы по патриархальному обычаю русских семей, Тамара многие годы держалась несколько позади. Ревности в делах творчества между ними не наблюдалось. Все привыкли: Николай размахивается на большие холсты, затевает проекты «с амбицией», Тамара делает свои маленькие очаровательные городские виды со старой архитектурой. Теперь же, однако, и на ее счету не одна персональная выставка. И хотя Николай обгоняет, наверное, по кое-каким формальным признакам рабочей активности, в творческой весомости произведения двух мастеров не уступают друг другу.
Оба не только делают масштабные, сосредоточенные вещи, умело концентрирующие на себе внимание зрителей, Зрелым, внятным характером стиля оставляя далеко позади вялое провинциальное живописание. Как ни странно, в наше время крутых переломов, когда художник по преимуществу предоставлен себе самому и ему поистине нелегко прислониться к некой спасительной идее, эта пара сумела обрести и творчески выстроить такую идею. Свою тему, вполне значительную. Притом, здесь Тамара и Николай не сговариваясь, не в лоб, но очень существенно дополняют один другого. Возможно, они будут удивлены, прочитав это, так как их тема сложилась помимо всякого нарочитого умствования. В широком смысле, я бы сказал, это есть тема Дома, уклада жизни российского горожанина конца минувшего и начала только что наступившего века.
Подобная тема имеет естественное отношение к наши теперешним географическим и историческим обстоятельствам. Она многое в себе собирает, в противовес разного рода деструктивным поветриям отечественной действительности. Художники знают и ценят образ жизни своей России, в которой соприсутствуют Москва и провинция, Европа с Сибирью, почвенные традиции быта и Запад, Америка с их фантомами и соблазнами новейшей цивилизации.
У Тамары Гудзенко обо всем этом часто повествуют милые ей стены старых домов, где многие из нас становились тем, что мы есть. У Белянова – пространство, живущее рядом с этими стенами (порою они распахнуты в прошлое, а иной раз в будущее, и потому у Николая фрагменты древнего русского храма могут появиться в соседстве с причудами сегодняшнего урбанизма), то, чем и кем они населяются. В своих композициях художник демонстрирует уверенное владение самыми разными творческими моделями, жанрами. Он способен точно, корректно и даже слегка по-светски писать портреты своих собеседников всевозможного звания. С благоговением и неким ироническим пафосом изображает домашнюю утварь, цветы, плоды, книжки, часы и множество других полезных вещей. Иной раз, напротив, - бесполезных и странных, сугубо вымышленных «абстрактных» объемов. Они как будто напоминают: у нашего порога – Неведомое…
Творческими усилиями двух художников, пускай непредумышленными, но интуитивно созвучными, истово и настойчиво прокладывается общий путь. Как сказано, это движение по дороге, где цель – обретение Дома. Они именно художники, не теоретики, поэтому тот урок, который они задают себе каждодневно, - по крупицам, по кирпичикам складывать зримый образ предметной среды, достоверной и приемлемой для их обитания. Хочу подчеркнуть: они и свидетельствуют о реалиях своего окружения, и являются своего рода экспертами этой реальности, выделяя, отбирая в ней то, рядом с чем для них по-человечески оказывается можно – или же интересно - существовать. Это никак не идеалистическое прожектерство, но, без сомнения, некая форма конструктивной жизнестроительной работы. Ее им никто не заказывал, но, пожалуй, она-то как раз чрезвычайно актуальна в нынешней атмосфере тотальной, устрашающей зыбкости. В этом видится свойство культурной, общественной значимости усилий Белянова и Гудзенко.
Отдаю себе отчет, что касаюсь таким утверждением рискованной темы. Ведь искусство советской и постсоветской России столько боролось за свободу и, кажется, ныне достигло желаемого. Достигло, едва не потеряв себя как искусство. И вот оказывается, художник все-таки может оставаться мастером своего дела и человеком, быть близким другим людям, традициям и повседневным данностям культуры своей страны, не превращаясь ни в передвижника, ни в соцреалиста, ни в вечного диссидента, ни даже в грязного гаера, каких прочат в наши «гуру» иные идеологи современности.
Заключая, вспомним об одном ментальном типе русского художника, с которым, быть может, феномен Белянова и Гудзенко имеет некоторое внутреннее родство. Это художник школы Венецианова, творивший около середины ХIХ столетия. Ощущение «гения места» для этой школы, как никогда явственно в истории русского искусства, было предметом самого живого творческого внимания, и притом оно было связано с Домом, его окружением и бытом, вещным миром гостиной, рабочего кабинета, детской или хозяйственного двора. Конечно, нашим героям недоступна наивная умиленность поэтически цельного живописного восприятия, разлитая в холстах Сороки или Тыранова. Точно также, ностальгическое созерцание старых родовых гнезд, какому предаются мастера Союза русских художников – современники Чехова, это совсем не их эстетическая позиция. Но и по отношению к ним говорить об эстетической позиции есть достаточно оснований. Потому что видение Тамары Гудзенко, Николая Белянова растет из определенного, хотя и значительно более близкого нам по времени историко-художественного пласта.
Они сами его творили рука об руку с такими живописцами, как Татьяна Назаренко и Георгий Кичигин, Андрей Волков, Александр Петров и Владимир Брайнин, Ольга Гречина, Сергей Гета и покойный, к великому сожалению, Сергей Шерстюк. Все это лидеры поколения наших художников – «семидесятников». В их среде Николай Белянов стал одним из зачинателей движения «гиперов». Переводя цеховой сленг, то были молодые адепты направления, в истории мирового искусства второй половины ХХ в. известного под именем гипер- или фотореализма.
О них много спорили, но теперь очевидно: в условиях СССР 1970-80-х гг. они создали весьма своеобразный и продуктивный слой визуально-пластической культуры. Николай и Тамара по сей день верны основным творческим установкам, возникшим в этом контексте. Факт отрадный, потому что никакая культура не может произрастать в обстановке всеобщей и непрекращающейся «смены вех». А у высокомерного нигилизма в отношении опыта искусства позднесоветских десятилетий в теперешней очень новой России – сверх головы. Но творческая состоятельность работ Н.Белянова и Т.Гудзенко последних лет убеждает, что начинания их молодости обладают далеко не исчерпанным ресурсом жизненной силы».
Морозов А.И. «Двое». Статья для каталога выставки в Томске в октябре 2004 г.
3 марта 2004 г. в присутствии большого числа художников, искусствоведов и зрителей в Центральном выставочном зале «Манеж» открылась выставка произведений Тамары Гудзенко и Николая Белянова «Фрагменты», где было представлено более полусотни работ художников, куратор выставки Ирина Ефимович. На открытии выступили Ирина Ефимович, Вильям Мейланд и Б.Шумяцкий.
Анна БИРШТЕЙН
В марте 2003 года в Новом Манеже в Москве состоялась выставка произведений Анны Бирштейн. Куратором выставки был Георгий Никич.
Анна Бирштейн выпускница Московского государственного академического художественного института им.В.И.Сурикова, участница многочисленных выставок в стране и за рубежом. О ней писали В.Поликаров, А.Дегтярь, Л.Бажанов, В Турчин, А.Якимович, А.Величанский, А.Сарабьянов и др. Как и все её выставки, эта выставка привлекла симпатии широкого зрителя и вызвала интерес у профессионалов и СМИ. В этом году художница награждена Серебряной медалью Российской Академии художеств.
«Во все времена ум и культурность зависели от словесности и вербально формулируемой философии. Именно словесники и философы обычно плохо понимали искусство чистой живописи. Если таковое вообще существует, то Анна Бирштейн имеет к нему самое прямое отношение.
Её картины говорят о впечатлениях личной жизни. Страна, общество, вихри и рытвины истории там не играют роли. Но эти картины не назовешь камерными. Живопись темпераментна и летуча, как ритм жизни биржевого брокера, она контрастна, как судьба интеллигента в водоворотах новой России. Анна не будет выписывать цветов или дерева, руку подруги или прическу приятеля, запечатленного на прогулке или за праздничным столом. Она жадно и стремительно бросает энергичные броски, добиваясь попадания с первого удара – попадания в форму, в характер, в настроение. (Иной раз попадание не удается, но таких картин зритель никогда не увидит). Тут нет благоразумия и тихой созерцательности. Картины почти оглушают контрастами темных и светлых тонов, будоражат причудливым плясками широкой кисти, обжигают киноварными и золотистым вспышками, а другой раз выливают на зрителя потоки прохладных разбеленных нейтральных красок. … Анна Бирштейн пишет четыре картины. На самом деле написаны сотни, и безостановочно пишутся новые, но это чаще всего варианты четырех картин: Цветы, Сады, Города, Празднества.
О таких художниках говорят, что тут, мол, «всего только глаз, но зато какой глаз!». Эта двусмысленная фраза льстит говорящему. «Всего только глаз» означает, что умному человеку ведомо нечто более высокое, нежели роскошные зрелища и чудеса живописного гурманства…
Живопись темпераментна и летуча, как ритм жизни биржевого брокера, она контрастна, как судьба интеллигента в водоворотах новой России…».
Якимович А.К. «Цветущий сад Анны Бирштейн» - Альбом «Анна Бирштейн», М., «Новый Манеж»,2003.
В конце 2003 года выставка произведений Анны Бирштейн проходила в галерее Ольги Хлебниковой, Кропоткинский переулок, 9.
Аладин ГАРУНОВ
МОСКОВСКИЙ МЕЖДУНАРОДНЫЙ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ САЛОН «ЦДХ-2004.ЭКОЛОГИЯ»
На заседании 21 ноября 2003 года Правление АИС по предложению М.П.Карловой приняло решение об организации в рамках Салона «ЦДХ 2004» выставки произведений художника Аладина Гарунова. Концепция выставки и приведенная здесь статья о ней о подготовлены А.К. Якимовичем.
Художник Аладин Гарунов родился в 1956 г. в с. Укуз Курахского района, Дагестан. Окончил Дагестанский педагогический институт, художественно-графический факультет в 1976 г.; Московское высшее художественно-промышленное училище (б. Строгановское) в 1985 г. Член Союза художников России с 1990 г. Лауреат Международного конкурса ассоциации художников «Artistes a la Bastille», Париж, Франция в 1991 г.
Основные выставки: 1994 Групповая выставка в галерее «L’ Espaсe d’Ete », г. Женева, Швейцария; 1996 -Современный русский авангард, Государственный художественный музей, г. Нижний Новгород; 2002 - Новые поступления, Государственный историко-художественный музей-заповедник, г. Сергиев Посад; Московская абстракция. Вторая половина ХХ века, Государственная Третьяковская галерея, Москва; Объекты и вещи» в рамках проекта «Квартира ХХ – XXI», Музей декоративно-прикладного искусства, Москва; Арт-конституция, первое российское издание, Музей современного искусства, Москва.
Персональные выставки: 1990 - ЦДХ, Москва; 1994 - галерея «Арт Пикчерз», Москва;
1995 - Пранаследство сакральных культур, галерея А-3, Москва; 1998 - Размышление о времени, галерея А-3, Москва; 2002 - галерея Файн Арт, Москва; Государственный историко-художественный музей-заповедник, г. Сергиев Посад.
«Художник Аладин Гарунов прежде всего почти универсален. Он скульптор, живописец, фотограф, и к тому же мастер концептуальной инсталляции. Но притом возникает впечатление, что он всегда хочет высказаться о чем-то самом главном. Произведения последних десяти-пятнадцати лет постоянно пытаются нам сообщить о тайне «простых фактов бытия» (они же самые трудные для прочтения знаки). Гарунов стремится восстановить, посредством классических и современных техник и технологий, базовую азбуку цивилизации. Если он разрабатывает геометрические темы в живописи, то это всегда элементарные простейшие фигуры. Если он фотографирует пейзаж, то в первую очередь это будут прочные и долговечные вещи, субстанции и конструкции: Гора, каменистая дорога, мост, стена дома, дверь. История, общество и природа как будто еще не разделились, а может быть, им уже невмоготу жить друг без друга, и они стремятся снова соединиться друг с другом. Мы вроде бы смотрим на сегодняшний Дагестан, с его нелегкой жизнью, а вспоминаем Древний Восток, скотоводов и земледельцев неолита. Как будто колесо, письменность, каменная архитектура открыты только вчера, и мы лично помним их создателей и удивляемся свершившемуся чуду. Когда перед нами человеческие существа, то это всегда главные действующие лица первой и основной цивилизации: старики и старухи с обветренными лицами, спокойные и крепкие мужчины, молодые женщины с полудетским и полуматеринским взглядом. Прежде всего, художник хочет нам сказать о прочности и неистребимости первых истин цивилизации. Парадокс заключается в том, что первые истины такого рода (истины мегалитических культур) напоминают о благоговении перед неведомым, получившим позднее имя Всевышнего среди мусульман».
Якимович А.К. «Пранаследство сакральных культур» - в каталоге «ЦДХ-2004. Экология». М., 2004.
Элиде КАБАССИ
«В то время, когда все постоянно ускоряется и становится более поверхностным, когда информация явно преобладает над знанием, мои образы идут совершенно против течения, открываясь другим только тогда, когда те в состоянии замедлить шаг, удержать время».
Элиде Кабасси.
C 30 октября по 16 ноябре 2003 года была открыта выставка члена АИС итальянской художницы, искусствоведа и педагога Элиде Кабасси в выставочном зале “На Солянке” в Москве. Организаторы выставки – Посольство Италии в Москве, комитет по культуре при правительстве города Москвы, Ассоциация искусствоведов. На открытии присутствовали и выступали члены Правления АИС (Турчин В.С., Шумяцкий Б.Л.), представитель Комитета по культуре правительства Москвы, Посольства Италии в Москве. По поручению Министерства культуры РФ Б. Шумяцкий вручил художнице Благодарность Министра культуры РФ «за активное участие в художественной жизни России и большой личный вклад в упрочение международных творческих связей» (Приказ № 1489 от 30.10.2003 г.). Эта награда связана с многолетней работой Элиде Кабасси в городах России ( с 1993 года), где она кроме творческой работы, организации нескольких выставок в Москве, Пскове, Ярославле, много сил отдала художественному воспитанию детей, устраивала выставки детского творчества, творческие встречи по этим проблемам. На выставке 9 ноября состоялась творческая встреча мастера с художественной общественностью и зрителями, присутствовало около 100 человек, был проявлен большой интерес к творчеству Элиде Кабасси. Учитывая это, руководство зала безвозмездно продлило срок работы выставки до 16 ноября с.г.
Выставка была отмечена средствами массовой информации (телевидение – канал «Культура», агентство РИА «Новости», газеты).
Творчеству Элиде Кабасси посвящена дипломная работа Ирины Музыки, выпускницы искусствоведческого отделения МГУ, защищенная на отлично - «Элиде Кабасси: художник в контексте современности» (рецензент В.С.Турчин). На основе этого материала к выставке Ириной Музыкой была подготовлена статья о творчестве мастера «К невидимому», сокращенные вариант которой мы помещаем ниже, также как и тексты о художнице, написанные куратором выставки Марией Гадас.
Идут переговоры АИС с представительством Республики Бурятия при Президенте РФ об организации выставки Элиде Кабасси в Улан-Удэ весной 2005 года.
Пожелание показать у себя выставку Э.Кабасси высказали также коллеги из Екатеринбурга.
«Непрестанный путь человека в желании Невидимого – путь к обретению собственного Лица, проходящий через достижение Лица Другого, – вот траектория экзистенциального движения, которое на холсте выявляет Элиде Кабасси. Живопись этого художника фиксирует пороги приближения к более высоким уровням существования и, таким образом, сама продвигается от одного порога к другому – в бесконечность.
Невзирая на основную тенденцию современной художественной культуры «выйти за рамки» картины и всего картинного, выпускница флорентийской Академии изящных искусств работает именно с живописными категориями, все более выявляя их как таковые. В писании (равно как и смотрении) такой картины вещество, свет и цвет, пространство и время проживаются как формы бытия. Длительный процесс работы тонкой колонковой кистью подобен медитативной практике. Сквозь зримое Элиде Кабасси идет к Невидимому. Должно быть, поэтому некоторые пластические особенности живописи современного итальянского мастера во многом родственны тем, что канонически присущи древнерусской иконе – ее основного ориентира в последние годы.
В раннем творчестве Элиде Кабасси человек, лишенный лица – личного жеста, облика – являет собой страдательное начало в агрессивном и расколотом пространстве, сгусток материи в стихии бытия. «Погибшие поколения» двигаются потоками по кругам дантевского ада, прорываются сквозь мгновения, как сквозь преграды. Но «там, где каждый найдет лицо и имя Другого, он найдет и себя самого», – говорит художник. В этом устремлении к Другому, в чьем лице открывается Иное (Невидимое), заключена надежда на преодоление разрушительных сил истории.
Лицо присутствует – в неповторимых чертах человека. В то же время, Лицо требует труда всматривания, ускользая от торопливого взгляда. Портреты Элиде существуют на грани между индивидуальным и идеальным: охраняя персональность они, вместе с тем, призваны выявить глубинную суть человека, соединенную со всем человеческим родом и обращенную к образу божественному. Э.Кабасси достигает сосредоточенной простоты образа человека – обладающего центром, а потому цельностью. Линия контура выравнивает очертания фигуры, сглаживая (уничтожая) все лишнее и спаивая ее в единую, подобную стволу дерева, форму. Она как будто нащупывает и стремится зафиксировать собственные границы существа, для которого это является первым порогом на пути к миру и к себе самому. В то же время, граница достаточно тонка, чтобы выявить принадлежность фигуры свету, из которого она появилась и которым пронизана. Живопись способна на своей поверхности проявить такое состояние человека, более того, показать его движение, в котором время экзистенциальное не подчиняется времени внешнему и прекращается история насилия. Примечательно, что лицо впервые появляется в многофигурных композициях, в которых поток людей явлен как единство множества, а не «эгоистический плюрализм», о котором говорил Э.Левинас.
Параллельно в живописи Э.Кабасси происходил поиск другого приближения к Лицу – к тому, что, по определению Э.Левинаса, «нельзя увидеть». Это попытка выйти за пределы «фасада» формы, обозначить предел как таковой. Фигура предстает как единая черта, стержень, у которого все внешнее отсечено. Человек становится струной, вибрирующей от соприкосновения с миром – щелью, гранью, границей между бытием и Иным. Черта также указывает на того, Другого, кто присутствует во всех без исключения работах Элиде. Он всегда впереди, он бесконечно вызывает в нас желание быть достигнутым, и мы идем к нему, преодолевая все новые пороги – плоскости, пласты пространства и времени.
Умаление фигуры как будто позволило развиваться пространственности. Постепенно живопись у Элиде Кабасси подходит к своему пределу – плоскости картины (как ее собственной границе по отношению к нашему пространству). При этом поверхность холста оказывается способной к восприятию состояния мира, как будто становясь его «кожей». Она может быть иссечена и вспорота, реагируя на боль, которую может испытывать не только человек, но вся материя вокруг него. Так, серия работ абстрактного характера с показательными названиями «Щель», «Раненое небо», «Убегающие тучи» была написана в год, когда началась война в Чечне. Но утончившись, став прозрачной и зернистой, живописная ткань также обретает способность пропустить сквозь себя свет, который «сочится», пронизывает плоскость картины и обращает ее в бесконечную глубину.
В последние годы Элиде Кабасси работает над особой формой геометрической абстракции, ближайшую аналогию которой можно найти в «иературах» Михаила Шварцмана. Сквозная и подвижная система полей представляет собой проекцию того пространства, которое угадывается во взгляде человека, – образом его невидимого Лица, его «внутреннего храма». Этот храм – кочевой, и он открыт всему. Но срединная ось и линия опоры существуют неизменно. Тяги и контуры этой зыбкой и проницаемой конструкции подобны сетям. Не такое ли соединение открытости и четкости каркаса может стать способом «уловить» бесконечное в конечной форме?
Точно так же происходит колебание от мгновения к длительности. Храм уже существует, доступный скорее не взгляду (глаза только угадывают его очертания), а внутреннему зрению. Но он еще творится – ежеминутно и непрестанно. Наслоение поверхностей в картинах Элиде как будто являет само рождение времени, поскольку фиксирует мгновения, каждое из которых, по словам Левинаса, суть «остановка, таящая в себе событие». Новый слой обещает нечто более ясное, и суть цельного образа состоит в передаче этого бесконечного устремления – к Невидимому. Движение, которое в ранние годы представлялось художнику преодолением преград, становится прохождением – порогов бытия.
Пространство этой живописи полно молчания. Ее сосредоточенная тишина готовит встречу и разговор: художника со зрителем, человека с человеком – и с тем пространством смысла, которое является на поверхности, обретая бытие – и обращая к самому бытию. Эта живопись открывается зрителю – и вопрошает, ожидая ответа, потому что она становится порогом только для идущего: Иное сквозит в ней в ту меру, в какую мы можем его желать. И она рождает в нас это желание, предлагая совершить усилие смотрения и раскрывая саму способность видеть».
Ирина Музыка, 2003 г.
«Пространство мегаполиса стирает черты личности и формирует собственную этику, нормы которой не предусматривают рефлексии и не предполагают времени для самоопределения в невидимой реальности. Само существование нематериального мира оказывается исключено из понятийного словаря новой системы ценностей. Предлагаемая тема выставки, кажется в таком контексте неуместной, излишне претенциозной.
«Желание невидимого может быть определением стремлений Элиде Кабасси, как личности, как художника. Пытаясь освободиться от случайностей, ее живопись находится в меньшинстве искусства, принципиального в своей асоциальной, вневременной позиции.
Настоящая выставка – первая полная ретроспектива художницы за пятнадцать лет работы. Выпускница Флорентийской Академии Изящных Искусств, Элиде постоянно живет в России с 1993 года. Вслед за Италией Россия становится для нее одной из главных художественных характеристик. Говоря о влиянии на формирование изобразительного языка, по признанию самой художницы, обычно упоминают Леонардо да Винчи и Андрея Рублева, главных представителей направлений, к которым тяготеет эта живопись. Однако формирование под их влиянием стоит, скорее всего, за воздействием живописного воплощения универсализма этих людей.
«Пространство мегаполиса стирает черты личности и формирует собственную этику, нормы которой не предусматривают рефлексии и не предполагают времени для самоопределения в невидимой реальности. Само существование нематериального мира оказывается исключено из понятийного словаря новой системы ценностей. Предлагаемая тема выставки, кажется в таком контексте неуместной, излишне претенциозной.
«Желание невидимого может быть определением стремлений Элиде Кабасси, как личности, как художника. Пытаясь освободиться от случайностей, ее живопись находится в меньшинстве искусства, принципиального в своей асоциальной, вневременной позиции.
Настоящая выставка – первая полная ретроспектива художницы за пятнадцать лет работы. Выпускница Флорентийской Академии Изящных Искусств, Элиде постоянно живет в России с 1993 года. Вслед за Италией Россия становится для нее одной из главных художественных характеристик. Говоря о влиянии на формирование изобразительного языка, по признанию самой художницы, обычно упоминают Леонардо да Винчи и Андрея Рублева, главных представителей направлений, к которым тяготеет эта живопись. Однако формирование под их влиянием стоит, скорее всего, за воздействием живописного воплощения универсализма этих людей.
Полнота и хронологическая последовательность выставки помогают ощутить множество внутренних изменений художницы, понять важные для нее темы».
«Живопись может быть повествованием, передающим событие описательно, почти не делая комментариев, или поражать смотрящего убедительной неожиданностью истолкования сюжета, его вдруг открывающейся пронзительностью. Как возникающие на отражающей поверхности предметы, живописные образы как будто имеют свой характер, независящий от художника, он лишь выбирает их в соответствии со своим стремлением начать монолог или создать для него повод.
Полнота вложенного смысла в молчаливые, направленные внутрь себя картины Элиде Кабасси, уподобляет их содержание символам, предметам невидимого мира. Вобрав множество случайных черт, они создают образ, вмещающий в себя память, смысл и предназначение всего ему предшествующего. В идеальном пространстве знакомых до неузнаваемости пейзажей существуют портреты лучших человеческих состояний, раскрывающиеся в признаках этого пространства. Касаясь только самых важных тем, живописная реальность художницы стремится стать объективной, свободной от условностей места и времени.
Стихотворные строки Осипа Мандельштама, Марины Цветаевой, проявляющиеся на цветной поверхности картин Элиде, возникают как напоминание о том, что эта мысль уже была пережита и озвучена. Краткость поэтической фразы, как и законченный холст, становится результатом ранее пройденного многословия, мысленного и словесного. Ее ясность и открытость соответствует живописному образу, появляющемуся во время работы художника, его автопортрету в момент написания картины.
Как основной закон поэзии – звукосложение, мера состоятельности живописи Элиде – ее светоносность. Будучи сложной по своей структуре, она оставляет ощущение быстрой, легкой работы. В прозрачной зыбкости красок открывается чистота природы изображенного.
Выставка в галерее на Солянке включает в себя большой период работы художницы, более десяти лет. Выпускница Флорентийской Академии изящных искусств, Элиде Кабасси с 1993 года постоянно живет в России.
Очевидные в этой пока единственной для нее ретроспекции изменения художественного языка и внутреннего наполнения работ, отражают все множество этапных и случайных состояний человека. Характеризуя искусство Элиде в общем, можно сказать, что в нем соединились классическое наследие и традиции древнерусского искусства. Но это, скорее, топографические факты биографии. Выставка Элиде – давно заявленное, многообещающее возвращение художника. Как живописца, философа, остро чувствующего человека».
Мария Гадас.
Елена КОЛАТ
Родилась в Москве в 1940г. С 1978 года член Московского союза художников. Окончила Московский институт стали. С середины 1960-х гг. работает в мастерских Московского Театра кукол Сергея Образцова, где становится одним из ведущих мастеров создания мимирующей куклы. До сего дня ее куклы играют в Театре «На Таганке» в спектакле «Владимир Высоцкий». В 1970-е годы под руководством Юлии Николаевны Рейтлингер мастер овладевает профессией иконописца. Создаваемые ею иконы расходятся по российским храмам, частным собраниям, а в 1999 году художник отважилась расписать храм- церковь Св. Серафима Саровского в Кунцеве в Москве.
С конца 1980-х годов главным делом художника становится живопись. Участвует в городских, республиканских и всесоюзных выставках. Персональные выставки: 19 г. Муниципальный выставочный зал «Ковчег», 19 г. , Центральный выставочный зал г. Подольска, 19 г. Выставочный центр «Преодоление», 19 г. Выставочный зал Московского союза художников, 2003 г. Центральный дом художника, Москва. Зарубежные персональные выставки мастера проводились в 2001 году в Уэльсе, Великобритания и в 2002 в Париже.
Работы хранятся в Музее А.С. Пушкина в Москве, Томском государственном музее, частных и корпоративных собраниях России, Франции, Канады, Швейцарии, Израиле.
«Может показаться, что разнообразные увлечения Елены Колат слишком усложняли её путь к главному – к обретению себя. Но это не так. Её – личность органичную и цельную – всегда привлекали только созвучные ей художественные явления. И то, что в орбите её внимания оказались именно иконы, куклы, станковая живопись, определено логикой её внутреннего развития. Это помогло ей создать особую систему изображения, в которой сплавлены выразительные возможности этих искусств с собственными творческими позициями. Едва ли не самая важная роль в этой системе принадлежит кукольному театру, генетически близкому ей, понятному, любимому».
Шалабаева В.Н. «Елена Колат. Живопись. Графика». Альбом. М., 2000.
«Скрытым лиризмом, незримым внутренним присутствием автора пронизаны сценки «провинциального быта», написанные художницей за два последних года. Тут нет «аргументов и фактов», а есть почти сквозь слезы, как у Пастернака, любование этой простодушной суетой обыденности…
В бытовых работах художница дает не общий план. А вплотную приближает лица. Мы можем в них вглядеться, ощутить таинственную серьезность наивного и обыденного, включенного в зимний. Белый, яркий пейзаж. Тут нет какой-то нарочитой «компоновки плохого фотографа», а есть композиционная естественность – результат безошибочной интуиции.»
Чайковская В. «Смешные и лирические» - «Культура», 30.09.1999
Аббас КЯЗИМОВ
САЛОН ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО ИСКУССТВА В СОКОЛЬНИКАХ
Поступило приглашение Культурно-выставочного центра Сокольники принять участие в подготовке Салона изобразительного искусства в сентябре 2003 года. Представители АИС Ефремов Н.В., Шумяцкий Б.Л. и Якимович А.К. введены в Оргкомитет выставки-ярмарки, участвовали в разработке стратегии и привлечении художников и галерей. Выставка работала с 28 сентября по 3 октября 2003 года, вызвала интерес посетителей и средств массовой информации. По представлению АИС была развернута большая экспозиция работ азербайджанского художника Аббаса Кязимова.
Аббас Кязимов родился в г.Баку в 1956 году. В закончил Бакинское художественное училище, в - Институт искусств в г. Баку. Член Союза художников Азербайджанской республики, член Международной федерации художников, Творческого союза художников России.
Некоторые выставки: 1978 - Государственная картинная галерея, Баку; 1980-86 - Молодежные выставки в СССР и за рубежом; 1988 - «Молодые советские живописцы», музей Денона, Франция; 1990 - Галерея «Инсельштрассе-13», Берлин, Германия; «Молодые художники и современность», Пекин, Шанхай, Китай; 1990, 1992, 1994, 1996 -Персональные выставки в Центральном доме художника при участии АИС; 1990 - Международная ярмарка галерей «Арт-Миф-1», Москва; 1992 - Выставка 12 художников, ЦДХ. Москва; 1994-1995 - Персональная выставка, Вашингтон. США; Персональная выставка, Болгарский культурный цент, Москва; 1997, 2000, 2002 Международные художественные салоны в ЦДХ; 1998 - Персональная выставка в Государственном институте искусствознания. Москва; 1999 - Персональная выставка во Франции, г.Канн; 2002 - Выставка азербайджанских художников, Галерея «На Солянке», Москва; 2003 - Международная художественная выставка «АРТС» в Сокольниках, Москва; 2003 - «Посвящение Пиросмани», «Арт-Манеж», Москва.
Работы хранятся в: ГТГ. Государственном музее народов Востока, Калининградском художественном музее, Кутаисской картинной галерее, Новосибирском областном художественном музее, Музее искусств в Баку, собраниях союзов художников в Москве и Баку, а также в частных собраниях России, Закавказья, Европы и Америки.
Яркий представитель Апшеронской школы, Аббас Кязимов объединил в своем творчестве традиции древнего и современного искусства Закавказья. Язык его произведений, лаконичный и красочный, являет нам сказочных театрализованных персонажей, которые живет и действуют по законам современного человека. Это происходит потому, что вещи Кязимова органичны и целостны, т.е. живут самостоятельной жизнью.
Александр ЛЯГИН
ЛЯГИН Александр родился в городе Бор, Нижегородской области. В 1990 году закончил МВХПУ
( б.Строгановское). Участник всесоюзных, зональных и международных выставок с 1988 года. Член Московского Союза художников с 1992 года.
Персональные выставки:
Дом скульптора в Москве, 1994, 2002 гг., Галерея «Усадьба» МСХ, 1997 г., ЦДХ, 1998, 1999 гг.
Участник многих выставок СССР, Рф, межреспубликанских.
Один из трех авторов проекта мемориального знака памяти Д.Холодова на здании редакции объединения «Московская правда» (заказчик «МК).
Автор театрального приза «Чайка», учрежденного программой «театральный понедельник» TV-6.
Автор юбилейных памятных медалей Б.А.Покровскому, А.Шнитке, М.Ростроповичу, А.Солженицыну.
Автор декоративной скульптуры «Павлин», установленной во дворе Дома-музея Станиславского.
Автор проекта благоустройства двора ул.Б.Никитская, дом 24.
Автор скульптурной композиции «Весть» (Брюсов пер., 11).
Работы находятся в музеях (ГТГ, музеях Владивостока, Нижнего Тагила, Тулы и др.), а также в частных коллекциях России, и за рубежом (Ж.Ширака – Париж, принца Чарльза – Лондон, Г.Алиева – Баку, Б.Ельцина – Москва).
Мемориальные доски: А.Рыбакова, Москва, 2000 год; меценатам братьям Могилевцевым, Брянск, 2003 год.
Декоративная композиция «Бабочки, цветы, небо», стекло, мрамор, металл, установлена в Салониках – Греция, 2002 год.
«Александр Лягин – человек еще молодой, но за его плечами большой жизненный путь – размышления, поиски, постоянная работа ума и сердца. Ему пришлось преодолевать сложные, порой драматичные перипетии жизни с единственной целью – стать художником. И в этом убедительное доказательство незаурядности его личности».
Шалабаева В.Н. «Александр Лягин. Скульптура». Альбом. М., 2000
«Работы Александра Лягина поражают зрелостью и цельностью пластического решения, в них живет классическая гармония, они приближают к нам эпоху Древней Греции …, но это не сухое академическое копирование, а творческое претворения образом. Мир скульптора – мир вечного. Его чувство материала, ощущение пластики замечательно. …
Его скульптуры – не мертвые глыбы материала, глядя на них ощущаешь живую, трепетную поверхность, движение руки»
Шалабаева В.Н. «Александр Лягин. Скульптура». Каталог выставки в ЦДХ, М., 1997
Евгения ТАВЬЕВА
Анатолий МОРЕВ
С успехом прошла в июне 2003 года в ЦДХ выставка московских живописцев Е.Тавьевой и А.Морева , заинтересовавшая широкую публику и коллекционеров искусства.
Анатолий Морев родился в 1942 г. в Кисловодске. С 13 лет занимался в Изостудии живописца Т.М.Головко. После службы в армии поступил в Саратовское художественное училище. После его окончания вернулся в Кисловодск, где преподавал в Детской художественной школе и участвовал в художественных выставках Ставропольского края. С 1982 года художник проживает в Москве, участвует в городских и республиканских выставках, в 1986 году принят в Московский союз художников. Полотна Анатолия Морева отличает большое разнообразие сюжетных, композиционных и живописных ходов. Он пишет пейзажи, портреты, натюрморты, абстрактные композиции, отличающиеся глубиной тональных отношений, композиционным строем, фактурой. Мастер работает в Кисловодске, Средней Азии, Грузии, средней полосе России. А.Морев автор графических циклов и абстрактных скульптурных композиций.
Его произведения хранятся в ряде частных собраний в России и за рубежом, а также в Вологодской картинной галерее и музее в Ферапонтово.
Евгения Тавьева родилась в Москве в 1940 г. С детства рисовала, посещала Детскую изостудию в московском городском Доме пионеров, затем занималась в Краснопресненской художественной школе. С 1959 по 1965 годы училась на факультете прикладного искусства Текстильного института. Член Московского Союза художников с 1971г.
С 1975 года всецело посвятила себя живописи. Она работает на Академической даче в Горячем ключе, в Средней Азии, на Кавказе. Особым местом для творчества мастера стала Тверская земля, пейзажи которой заняли важное место в сюжетах ее полотен.
Евгения Тавьева автор пейзажей, портретов и натюрмортов. Она с 1970 года участник групповых, московских, всесоюзных выставок. Ее работы находятся а частных собраниях России и за рубежом, а также в ряде музеев страны (гг. Томска, Новокузнецка, Ферапонтово), а также в фондах Российского союза художников и Международной конфедерации союзов художников.
В феврале-марте 2004 года в Еврейском культурном центре на Никитской экспонировалась в течение месяца выставка произведений Евгении Тавьевой.
«Язык, на котором говорит Тавьева и который развивается в процессе ее творчества, не прост. Он несомненно индивидуален, но при этом принадлежит к давней традиции европейской валёрной живописи… Вообще, характер восприятия, на который настраивает нас живопись Тавьевой, отличается от привычного, повседневного именно своей отвлеченностью от какой-либо предметной драматургии… Нельзя сказать, что предметность вовсе отсутствует в изображении. Нет, цветы, травы и тд. В какой-то степени предметны, но они не выстроены в полноценные объекты. Их формы скорее легки и пространственны, чем объемны и весомы. В них почти не видно архитектонических конструкций, а если и видно (как в каком-нибудь высоком цветке мальвы), то такая конструкция фрагментарна и скорее устремлена в небо, нежели опирается некой тяжестью на землю…
Её искусство продолжает развиваться. Особенно это заметно в работах последних лет, в которых тенденция к облегчению формы и разработка валёрной техники выходит на какой-то качественно новый уровень, где небесное уже не проступает в земном, а преображает его в нечто почти неосязаемое, в почти чистую форму.
Куда приведет этот путь живопись Евгении Тавьевой – покажут ее будущие работы. Но те, что уже существуют, способны дать зрителю и отдых, и наслаждение, и ощущение полета собственной фантазии, когда, погрузившись в музыку живописи, можно самому заниматься сочинительством».
М.Тавьев, декабрь 2003 г.
В настоящее время начата подготовке к групповой выставке, посвященной юбилею одного из участников, Александра Лягина, на которой будет представлена скульптура А.Лягина (к 50-летия мастера) и живопись Е.Тавьевой, А.Морева, Е.Колат. Выставка планируется на осень 2004 года.
Евгений РАСТОРГУЕВ
К 50-летию творческой деятельности Евгения Расторгуева 27 мая 2003 г в ЦДХ открылась большая выставка его произведений, подготовленная совместно с ГТГ. На открытии выставки выступали Председатель Московского союза художников Василий Бубнов, Генеральный директор АИС и куратор выставки от АИС Борис Шумяцкий и Председатель Объединения критиков и искусствоведов МСХ куратор выставки Михаил Красилин. Выставка посвящена покойному Виктору Яковлеву, который предполагал провести эту выставку в Третьяковской галерее и успел до своей гибели издать к ней каталог.
Творчество Евгения Анатольевича Расторгуева – одна из интереснейших и оригинальных страниц в развитии отечественного изобразительного искусства нашего времени. 1941 год для Е.А.Расторгуева, только что окончившего Художественное училище в Горьком, стал определяющим для его творческого пути. В это году художник Расторгуев впервые стал участников художественные выставки, в этом же году, осенью, он стал солдатом Великой Отечественной войны. В 1946 года он – ученик Сергея Герасимова в Московском институте им.В.И.Сурикова, окончив институт вступил в Московский союз художников. Картина «Юность» (1957, ГТГ) заставила общественность говорить о молодом художнике. Работы 1950-х годов позволили увидеть высокие художественные достоинства произведений этого периода, когда Е.А.Расторгуев был одним из тех художников, кто пытался разорвать жесткие догмы стилистики соцреализма. В 60- годы Расторгуев был увлечен «суровым стилем», который, правда, стал лишь эпизодом в его творчестве, так как поэтическое мироощущение художника не укладывалось в нарочитую экспрессивность этого направления. Уже в 70-годы начался период обращения к истокам народного творчества, обусловивший создание произведений – поэтических фантазий, а затем эпопеи полотен, театрализованную и слегка ироничную поэму, отображающую жизнь, нравы, красоту и духовное богатство жителей сочиненного художником маленького среднерусского городка. Источником этой, продолжающейся более четверти века расторгуевской фантазии стала его малая родина – Городец на Волге. До настоящего времени эта эпопея позволяет говорить об оригинальном художественном явлении, расторгуевском мифе о своей малой родине. Аналогичном по подходу и характеру построения тышлеровским мифам о мелитопольщине и фолкнеровским мифам об Иокнапатофе.
Шумяцкий Б.Л. 1995 г.
«Через кусочки шамота или певучую россыпь красок, которые появляются на полотне также, как восходы над Волгой – я вижу те далекие дни, я оживляю их и как мальчик, берегущий свои игрушки – запираю в шкаф своей памяти…».
Евгений Расторгуев.
«Евгений Анатольевич Расторгуев не только блистательный живописец, он первым создал пластическую аналогию широко известному феномену мировой культуры русскому «городскому» романсу. Также и в этом секрет широкой известности творчества мастера и уникальности его искусства. Мастер показывает этот мир во всем многообразии и характерности через коллизии судеб его персонажей из маленького типичного российского городка, например Городца, в котором он родился и часто бывает».
Б.Шумяцкий, из выступления на открытии выставки.
«Искусство Евгения Расторгуева удивительным образом воплощает в себе те же народные основы, которые дали жизнь искусству русского авангарда в начале ХХ столетия…
Все эти творения /Расторгуева/, картины и скульптуры, живут независимой жизнью. В их мире, загадочном и тайном, есть свои правила и своя иерархия. И есть их создатель, которому, единственному, дано слушать и понимать таинственный язык их общения. В этом и состоит гармония, к которой стремится всякое искусство.»
Сарабьянов А.Д. «Евгений Расторгуев», М., ГТГ, 2001.
Наталья СИТНИКОВА
На Московском международном художественном салоне “ЦДХ-2003.Новое поколение”, посвященного творчеству молодых художников, АИС представила выставку «Живопись Натальи Ситниковой».
Н.Ситникова родилась в 1978 г. в Москве. В 2002 г. закончила Московский государственный академический художественный институт им. В.И.Сурикова, с 2002 г. - член Московского союза художников. Участие в выставках с 1991 г. (Италия глазами советских студентов», Рим, 1991; Классическая акварель, ГТГ, 1994; Осенняя выставка московских художников, Дом художника, Москва, 1998 и много других), С тех пор художник ежегодно показывает свои работы на выставках в залах Москвы и других городов, вот некоторые из них: 2001 - Абстракция в России. ХХ век. Государственный Русский Музей, Санкт-Петербург; в 2002 - “Новые Личности. Новые Формы.” Современные русские женщины-художники из коллекции Колодзей”. Художественная галерея джорджтаунского университета; выставка «70 лет МОСХа». Центральный выставочный зал Манеж, Москва; 2003 - «Московская Абстракция». Государственная Третьяковская галерея, Москва; «Живопись Натальи Ситниковой» (проект АИС), «ЦДХ-2003», Москва; Персональная выставка. Галерея Манеж, Москва. Персональная выставка. Российская государственная Библиотека, Москва. Поиск Свободы: 40 лет Советского и Русского Искусства. Работы из коллекции Колодзей. The Bergen Museum of Art and Science, Нью Джерси. В феврале 2004 Наталье Ситниковой была вручена Премия Триумф, в связи с этим в московском ЦДЛ экспонировалась выставка её произведений.
Работы находятся в ГТГ. ГРМ, Тобольском художественном музее, Музее Л.Толстого «Ясная Поляна», Музее Московского академического художественного лицея, коллекции Фонда Колодзей, Музее Людвига.
«Абстрактная живопись Натальи Ситниковой – не поверхностная дань моде. Во-первых, она есть следствие внутренней природы дарования автора, которому ближе не событийный рассказ, предметное описание, а цельное, яркое эмоциональное переживание темы. И во-вторых, это переживание отличается пластической подлинностью и емкостью. Оно реализуется через мощную энергетику цветопространственного понимания формы, богатство живописной фактуры, не менее богатую ассоциативность смысловой ткани ее композиции. Абстрактные холсты – подлинные поэтические картины, свидетельства духовных коллизий нашего времени, переживаемых в эстетическом пространстве, объединившем русских художников всего ХХ века, начиная от В.Кандинского, М.Ларионова, включая наших «шестидесятников» и, как мы видим, молодых русских художников рубежа ХХ-ХХI веков».
Морозов А.И. «Живопись Натальи Ситниковой» - в каталоге выставки «ЦДХ-2003.Новое поколение», М., ЦДХ, 2003.